Website de Jazz y Bossa Nova.
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Un amigo que viajo a La Habana trajo dos cassettes(imagina el tiempo) y quede hechizada,una amalgama perfecta de colores de voz,parece que estuvieran dibujando figuras,danzando en las notas
Con las mudanzas perdi las copias ,busque material por doquier pero nadie los conoce...
Por favor comunicate si podes ayudarme...
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Estimado amigo: trato de localizar y ponerme en contacto vía e-amil con Agustín Bernal, él ha estado en Tabasco y seguramente querra volver, nosotros queremos igualmente escucharlo. Tenemos la celebración de los 50 años de Vida de la Universidad Juárez Autonoma de Tabasco, para noviembre de este año y QUEREMOS tener a Agustin para esa celebración.
Por favor el contacto para el evento está a travez mio: Agomezsoy@gmail.com o bien cel. 99 33 90 95 40
Requerimos saber de la disponibilidad de tiempo para el evento y el presupuesto. Disculpa, intenté varias veces por la pagina de Agustín y no fue posible establcer contacto. Mucho te agradeceré tu valioso apoyo. Gracias.
Hola mucho gusto , simplemente agradecer tu comentario
sobre Agustin Bernal.es mi hermano y como tu debes saber
el nunca habla de lo bueno que es y con tu comentario reafirmo
mi teoaria de que es un buen musico, muchas gracias por tu tiempo
y si tienes algun comentario de mi hermano me encantaria oirlo
quedo a tus oedenes
Salvador Bernal
La carrera de Shearing es impresionante.
Durante años 50, ya radicado en los Estados Unidos, encabezó algunos de los conjuntos de jazz más populares de esa época.
Ha escrito más de 300 composiciones y sus grabaciones han llegado a las carteleras en cada una de las últimas cinco décadas.
Shearing creó un sonido totalmente nuevo con melodías al unísono entre el piano, la guitarra eléctrica y el vibráfono, estilo que se identificó con la época del jazz cool y el movimiento beatnik.
Alto vuelo
En los comienzos de su carrera tuvo largas asociaciones artísticas con los cantantes Nat King Cole, Mel Tormé, Peggy Lee, Carmen McRae y Nancy Wilson.
Mel Tormé obtuvo dos galardones Grammy mientras estaba asociado con Shearing.
Durante toda la segunda mitad del siglo pasado tocó con la mayoría de los llamados "gigantes" del jazz.
Pero también realizó numerosos conciertos de piano solo, o con amigos de la estatura de Dave Brubeck.
En 1956 obtuvo la ciudadanía estadounidense, pero siempre ha asegurado que jamás va a dejar de sentirse británico.
Tres Presidentes de los EEUU le invitaron a tocar en la Casa Blanca: Gerald Ford, Jimmy Carter y Ronald Reagan.
Y a través de los años ha actuado en Londres varias veces ante a la famila real británica en conciertos de gala.
En la novela "On the Road", su autor, Jack Kerouac, incluye un pasaje muy poético donde describe la forma de tocar el piano de Shearing en un club de jazz.
"El dios Shearing se ha sentado al piano", escribe Kerouac en un párrafo de su prosa.
Comienzos humildes
George Shearing nació en un barrio pobre de Londres, en 1919. Ciego de nacimiento, fue el menor de nueve hermanos.
Su padre vendía carbón y su madre limpiaba vagones de trenes durante las noches.
Shearing asistió a la escuela Linden Lodge para ciegos, donde durante cuatro años recibió su educación musical.
Sus profesores reconocieron su talento de inmediato y pronto ganó una serie de becas para ingresar a varias universidades.
Sin embargo el joven pianista decidió "ganarse" la vida tocando jazz en pubs londinenses por un sueldo de cinco libras esterlinas a la semana.
Poco antes de la Segunda Guerra Mundial hizo amistad con el periodista y crítico de jazz Leonard Feather.
Fue a través de este contacto que hizo su primera aparición en la radio de la BBC.
George Shearing se trasladó a los EEUU en 1947.
Dos años después grabó con su primer quinteto el tema "September In The Rain", con tanto éxito que en pocas semanas vendió casi un millón de copias.
Su reputación al otro lado del Atlántico la estableció definitivamente cuando le contrataron en el club de jazz de mayor prestigio por esos días en Nueva York: el "Birdland".
Poco después compuso su famosa "Lullaby of Birdland", hoy uno de los temas clásicos del repertorio de jazz estadounidense.
Honores
Además de galardones Grammy, los premios y honores recibidos son numerosos.
Entre otros, tres doctorados honorarios en tres universidades estadounidenses, y otros reconocimientos académicos tanto en Inglaterra como en EEUU.
En 1999 Shearing celebró sus 80 años de edad, a teatro lleno, en la Sala de la Sinfónica de Birmingham, en Inglaterra.
Le acompañaron la Big Band de la BBC y las cuerdas de la Orquesta "Sinfonía", de Londres.
Ya en 1996 la reina Isabel II le había incluído en la lista de la Orden del Imperio Británico por sus servicios a la música y a las relaciones anglo-estadounidenses.
Ahora George Shearing ha sido nombrado caballero de la reina, un honor mucho más alto.
Después de la ceremonia en el Palacio de Buckingham, George Shearing celebró con amigos que incluyeron a la cantante Cleo Laine, su esposo el músico John Dankworth, la estrella de televisión Micheal Parkinson y la actriz Julia McKenzie.
A pesar de su edad, Shearing continúa tocando el piano y con su esposa pasa temporadas en su departamento de Nueva York y otras en su casa de Berkshire, en Inglaterra.
La biografía de George Shearing, "Lullaby of Birdland", fue publicada hace dos años, en inglés.
"No se por qué, en Andalucía las familias gitanas y no gitanas que tienen muchas veces apodos, en mi caso somos la familia de los tomates", agrega José Fernández Torres, "Tomatito", considerado uno de los grandes intérpretes e impulsores del flamenco contemporáneo.
Durante años acompañó al célebre cantaor flamenco Camarón de la Isla. "Cuando yo tenía 15 o 16 años empecé con él", recuerda a quien considera "un revolucionario del flamenco, en ese entonces ya viví esa revolución en él".
Esa curiosidad musical se refleja hasta hoy en su trabajo, con incursiones en el Latin Jazz y en el Tango, que a su vez permiten otra perspectiva y permiten otra manera de ver al flamenco.
Tomatito prácticamente no discrimina entre géneros musicales y confiesa que a veces la tristeza le ayuda. Tal vez por eso no se resiste a la melancolía del tango. "A mi me atrae mucho Piazzolla", dice en referencia al renovador del tango.
En 1987 grabó su primer disco como solista "Rosas del Amor", al que seguiría el disco "Barrio Negro". En 1991, con la colaboración de Camarón de la Isla grabó unos tangos titulados "La Voz del Tiempo". Siete años más tarde, Tomatito comienza a ser conocido fuera de territorio español.
Comenzo a actuar primero por todo Europa, después por América Latina, Estados Unidos y Asia. En el 2000 ganó el premio "Spain", un Grammy al mejor disco de Jazz Latino.
Entre el ritmo y el canto
"Yo a la música no le hago tanto caso, para sacar música tiene que haber un ritmo", dice y se decide por la bujería, "que se identifica más con mi carácter con mi persona y es a lo mejor lo que entiendo más".
De voz grave y cálida a la vez, Tomatito confiesa que sólo cambiaría "todo por cantar, porque es el instrumento natural de la vida, el que transmite antes, el que toca el corazón antes".
Tomatito defiende a la música como algo vivo. "Si se para se muere, porque el flamenco tiene que crecer". Pero el flamenco es más que música. "Es una forma de vida, un sentir del pueblo". Para Tomatito, "flamenco es raiz".
Así lo aprendió desde joven. "Toda mi vida he estado en las puertas de las casas tocando la guitarra, si no tienes esa vivencia no puedes tocar como toco yo, que no es mejor ni peor, es distinto".
"Tienes que empezar por un lenguaje musical que nazca en un sitio, en este caso Andalucía, escuchando un lenguaje musical que aprendes desde niño; si hubiese nacido en Nueva York y fuese músico, pues tocaría jazz", explica a modo de resumen su raiz de vida y música flamenca.
Este 23 de diciembre se cumple una década de la súbita muerte de Ronnie Scott, uno de los grandes del saxo tenor en la historia del jazz británico.
Ronnie Scott, que logró fama mundial, fue uno de los músicos de jazz de mayor prestigio en Europa.
Pero también se le conoce como fundador del Club de Jazz de Ronnie Scott, el principal establecimiento de su tipo afuera de los Estados Unidos.
Hijo de otro músico del este de Londres, Ronnie Scott, cuyo verdadero nombre era Ronald Schatt, estudió el saxofón a temprana edad.
Muy joven se interesó en la llamada "revolución bop", que estaba teniendo lugar al otro lado del Atlántico.
A Nueva York
A fines de los años 40, decidió trabajar en una orquesta a bordo de un trasatlántico, para poder llegar a Nueva York y escuchar personalmente a sus héroes, Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Miles Davis.
A su regreso a Londres, se transformó en un pionero de los nuevos estilos en el jazz, luchando por conquistar a un público todavía hostil hacia esas tendencias consideradas "de vanguardia2 por aquellos días.
No obstante, los adeptos al be-bop y al "cool jazz" comenzaron a multiplicarse rápidamente en el Reino Unido y en 1953 los grupos de jazz de Ronnie Scott comenzaron a gozar de mucho éxito y apreciación.
En la segunda mitad de los años 50, codirigió los "Jazz Couriers", junto con otro de los grandes del saxo tenor, Tubby Hayes.
Este grupo alcanzó prestigio internacional y para muchos constituyó la versión británica de los "Jazz Messengers" del estadounidense Art Blakey.
Nace el club
En 1959 Ronnie Scott abrió su famoso club de jazz junto, con su socio Pete King, otro saxofonista, en la calle Gerrard, en el centro de Londres, donde tocó frecuentemente con sus propios grupos.
Ello le ganó el respeto de organizaciones musicales y le permitió estar en contacto personal con los mejores músicos de Estados Unidos y de otras partes del mundo, que venían a tocar a su club.
También el mismo Ronnie comenzó a adquirir prestigio entre los músicos estadounidenses.
Charles Mungus dijo de él: "De los muchachos blancos, Ronnie Scott es el que más se acerca al sentimiento de los blues negros, igual que Zoot Sims".
Evolución
Quizás por ello, en un momento Ronnie Scott formó parte de la prestigiosa orquesta de jazz "Clarke-Boland", co-dirigida por Kenny Clarke y el belga Francy Boland, en la que participaban los mejores músicos de jazz de Europa y Estados Unidos.
Con ella realizó largas giras mundiales. También tocó en las "big bands" de Ted Heath y de Tubby Hayes.
Habiendo comenzado a tocar en el estilo creado por Charlie Parker, Scott fue evolucionando como saxofonista y, posiblemente, sus mayores influencias posteriores las obtuvo de John Coltrane y Joe Henderson.
Música y humor
Con el correr del tiempo, su club se trasladó a su dirección actual en el barrio del Soho, en Frith Street, y pasó a ser considerado la "meca del jazz" en Europa, por la estatura artística de los músicos que han desfilado por él.
Pero también actuaba como maestro de ceremonias e hizo famoso su repertorio de chistes, que hacían reír con ganas a los asistentes, incluso cuando éstos los habían escuchado ya innumerables veces.
Scott, que sufría ocasionalmente de depresiones, murió el 23 de diciembre de 1996, a los 69 años de edad, a causa de una mezcla de brandy y píldoras para dormir, mientras se recuperaba de una operación dental. Una investigación forense determinó que su muerte había sido accidental.
Después de la muerte de Ronnie Scott, su club siguió siendo administrado por su socio Pete King, durante nueve años, hasta que lo vendió a la empresaria teatral Sally Greene, el año pasado.
Diez años después de su muerte y a pesar de que su club ha pasado a otras manos, la empresaria Greene ha hecho que su espíritu, filosofía y atmósfera sigan tan vivas como siempre.
Lo único que se extraña es el sonido de su saxo en vivo. Y sus chistes repetidos.
"Si tuviera que vivir de nuevo, no haría otra cosa que no fuera música", me dijo hace poco Eddie Palmieri en una entrevista que le hice para 'BBC Estudio 834'.
Y es que la música ha sido tan generosa con él, como él con ella.
Con más de medio centenar de álbumes grabados en una carrera de cinco décadas, ganador de ocho premios Grammy, entre otros galardones, su septuagésimo cumpleaños lo encuentra tan activo como siempre, en medio de intensas giras con su conjunto 'La Perfecta II' y otros artistas.
Eddie Palmieri, pianista, compositor, arreglista y director, nació en Nueva York el 15 de diciembre de 1936. Hijo de inmigrantes puertorriqueños, siguió los pasos musicales de su hermano, Charlie (también pianista) y las tendencias armónico-rítmicas de los músicos que llegaban de Cuba en los años 50.
Influencia cubana
A los 8 años de edad ya participaba en concursos con su hermano mayor, Charlie Palmieri. Durante sus años de escuela, en el barrio latino de Harlem, descubrió el jazz, que sería el amor de su vida, junto con la música afro-cubana. A los 11 tuvo su primera presentación en el Carnegie Hall.
Además de la de su hermano, las principales influencias en el piano provienen de Thelonious Monk, Herbie Hancock y McCoy Tyner, tres de los grandes maestros del jazz.
Poco a poco fue conquistando a críticos y público, y su estatura artística está hoy junto a las de Tito Puente, Mongo Santamaría y Ray Barretto, especialmente por su conexión con el jazz latino que es la tendencia que ha ido fortaleciendo en la última década, después de haberse impuesto como uno de los gigantes de la 'salsa'.
Escuchar a Palmieri
La influencia que ha tenido como pianista es grande. Muchos de los músicos de jazz latino que entrevisté hace algún tiempo para una serie especial de la BBC, me señalaron que para poder tocar y entender las complejidades de este tipo de música, era necesario escuchar específicamente grabaciones de Eddie Palmieri durante horas.
Palmieri está considerado como uno de los mayores innovadores de la música afro-cubana de los últimos 30 años. Hay críticos que le han apodado "el Thelonious Monk de la salsa", debido a lo impredecible de sus solos al piano y su tendencia a explorar armonías y ritmos en el teclado.
Desde la década de los años 60, Palmieri ha introducido cambios significativos en el desarrollo de la salsa bailable, como frases de rock, poesía urbana, y elementos de otros tipos de música que van desde el vals al tango, pasando por la música folclórica de Puerto Rico.
Aspectos políticos
En un momento la salsa de Palmieri no fue sólo para bailar. Eddie se interesó y se comprometió con la lucha por la justicia social en los Estados Unidos y ello se refleja en las grabaciones hechas entre el año 1969 y 1974, en las que incluye a su hermano en órgano.
En estos discos Eddie Palmieri abarca experimentos de fusión entre música latina y el 'Rhythm & Blues' con el grupo de músicos de raza negra, los "Harlem River Drive". En esa época realizó también conciertos en la cárcel de Sing Sing y en la Universidad de Puerto Rico, todos con connotaciones de justicia social.
Bailar y escuchar
No obstante los dos campos fuertes de Eddie Palmieri son la salsa bailable y el jazz latino de concierto, siendo este último el más predominante en años recientes, lo que le llevó a obtener su octavo "Grammy" por el CD "Listen Here", grabado con famosos músicos de jazz contemporáneo.
Su asociación con músicos de jazz de la talla de Michael Brecker, Regina Carter, Christian McBride, Brian Lynch, John Scofield y otros, ha hecho que los ojos del mundo del jazz se hayas vuelto con mucho interés hacia él.
Cuando conversé con Palmieri este año me dijo que su "género" siempre había sido el de poner a la gente a bailar, que es algo que a él le causa mucho placer. Pero que poco a poco había entrado en el campo del jazz latino debido a su antiguo amor por el jazz.
"Es otra forma de presentarte ---me indicó--- ahora son más conciertos, la gente está sentada en una silla, y esto ha sido un verdadero estudio para mí porque es muy interesante poder excitar al público donde sea, estén sentados o bailando".
¡Feliz cumpleaños, Eddie!
El 28 de septiembre se conmemoran los 15 años de la muerte de Miles Davis, uno de los músicos de jazz que puso su nombre junto a los de Louis Armstrong, Duke Ellington y Charlie Parker.
Davis está considerado hoy como uno de los genios musicales del siglo XX.
En el mundo del jazz se transformó en un icono legendario y su carrera de casi 50 años se identifica con todo el desarrollo del llamado "jazz moderno", desde el be-bop hasta los experimentos que realizaba al momento de su repentina muerte, en septiembre de 1991.
Desde sus comienzos no sólo se mantuvo a la vanguardia de lo que ocurría en el mundo del jazz, sino que fue un pionero permanente que abrió muchos caminos nuevos. Siempre sorprendió a los músicos y al público de jazz con sus innovaciones.
A mediados de siglo, Miles Davis comenzó su carrera musical tocando con otro genio: el gran revolucionario del be-bop, Charlie Parker. Y terminó asociado con el rapero Easy Mo Bee, a comienzos de los años 90.
Lo que hizo entre esos dos extremos quedó grabado en cientos de álbumes y miles de piezas musicales, ya que tocó con casi todos los grandes del jazz, desde Sonny Rollins hasta Keith Jarrett.
Creador permanente
Después de tocar be-bop con Parker, Davis creó el movimiento que se conoce como cool, junto con Gerry Mulligan, Gil Evans, John Lewis y otros visionarios, hace alrededor de 56 años.
No contento con eso, Miles Davis exploró y desarrolló el campo de las armonías y escalas modales, producto de lo cual grabó Kind of Blue, que es el álbum de de jazz de mayor venta en toda la historia.
Esto también influye hasta el día de hoy.
También incursionó en el estilo hard-bop. Pero una de sus contribuciones más importantes, fue la de haber creado la fusión entre el jazz y el rock, lo que constituye otra "revolución" después del surgimiento del be-bop y del cool.
Davis tuvo una estrecha y larga asociación con otros de los gigantes del jazz moderno, como John Coltrane, Gil Evans, Bill Evans, Cannonball Adderley y Herbie Hancock, entre otros.
La fusión jazz-rock
En realidad, Davis tocó con la mayoría de los grandes del jazz de hoy, algunos de los cuales se hicieron famosos en sus conjuntos, como Wynton Kelly, Wayne Shorter, Dave Holland, Keith Jarrett, John McLaughlin, Joe Zawinul, Chick Corea y muchos otros.
Fue con algunos de ellos con quienes Davis "inventó", por decir así, la llamada fusión jazz-rock, cuyas semillas plantó a fines de los años 60, incorporando también a figuras que no pertenecían al mundo del jazz como Carlos Santana, Lennie White y Sammy Figueroa.
Miles Davis era hijo de un próspero dentista y se crió en una familia acomodada, por lo que pudo ir a buenas escuelas de música.
Vida intensa
Sin embargo, su vida no estuvo carente de controversias.
Sucumbió a las drogas en la década de los 50, pero él mismo decidió abandonarlas a los pocos años.
Se casó varias veces y tuvo varios amoríos en ambos lados del Atlántico. Tenía fama de ser huraño.
No obstante, quienes trabajaron con él argumentan lo contrario, señalando que era una persona afable y que se preocupaba mucho de los demás.
En 1975 dejó de producir música durante cinco años, debido a un delicado estado de salud producido por un reemplazo de cadera. Cuando volvió a los escenarios y estudios de grabación en 1980, lo hizo con renovada fuerza.
Para ese entonces su música más reciente, anterior a la enfermedad, se había impuesto firmemente y había pasado a ser patrimonio de la cultura contemporánea de su país. Quienes le habían criticado por haber "comprometido" al jazz con la música rock quedaron sin argumentos convincentes.
Davis se había convertido en una figura internacional que traspasaba fronteras geográficas, estilísticas y artísticas. La producción de sus últimos años fue tan creativa e innovadora como la de sus períodos previos.
A los quince años de su muerte, las grabaciones de Miles Davis se siguen reeditando en el formato CD debido a una alta demanda comercial.
Recientemente han ocupado varias veces los primeros puestos de las carteleras especializadas de jazz en Francia, Gran Bretaña y Estados Unidos.
Músico y artista
En las últimas décadas de su vida la motivación artística de Davis lo llevó también a pintar y sus obras han sido expuestas en galerías de Europa y los Estados Unidos.
Miles Davis gozó en vida del reconocimiento y admiración de un público mundial. Llenó estadios en Japón y otras partes del planeta. Y no hay coleccionista que no tenga una buena cantidad de sus discos.
Quizás ello se deba a que Davis solía decir: "Siento una necesidad de estar cambiando todo el tiempo. ¡Es una verdadera maldición!".
Si es así, muchos pensamos que esa deber ser la única maldición que durante medio siglo ha sido bienvenida por millones de admiradores.
Nueva York, 20 sep (PL) El trompetista Brian Lynch se manifestó hoy satisfecho por el disco Simpático, que lanzó la semana pasada en colaboración con el pianista puertorriqueño Eddy Palmieri.
En declaraciones hechas este miércoles a medios de esta ciudad, Lynch afirmó que el proyecto les tomó 20 años, cuando él y el tecladista boricua se conocieron sobre los escenarios.
"Recuerdo particularmente que en 1988, mientras tocaba con él (Palmieri) en el Blue Note de Nueva York, pensé que era el máximo toque en términos de libertad y sensaciones".
Simpático apareció bajo el sello ArtistShare, el primero que le permite a los aficionados seguir el proceso de producción del disco a través de videos, grabaciones e incluso discusiones con los autores.
Según el sitio de Internet de esa compañía, el proceso comenzó en enero del 2005 y el disco se grabó entre noviembre y diciembre del propio año.
The Brian Lynch Eddy Palmieri Project-Simpático, el título real del CD, cual presenta nueve cortes, de los cuales cuatro fueron escritos por ambos músicos: Slippery, Jazzúcar (versión del clásico Azúcar, de Palmieri), Tema para Marissa y Freehands.
La lista de estrenos se completa con The Palmieri Effect (El efecto Palmieri) y el bolero Qué sería la vida, de Lynch, interpretado por la cantante mexicana Lila Downs.
Entre los músicos que tomaron parte en esta joya jazzística figuran el saxofonista Phil Woods, los congueros Giovanni Hidalgo y Pedro Martínez, los percusionistas Pete Rodríguez, Little Johnny Rivero, el pianista Edsel Gómez y el guitarrista Adam Rogers.
Hey Gracias por hablar de nosotras..estuvo bellisimo el concierto...te dejo mis links:
www.valentinagonzalez.com.mx
www.myspace.com/valentinagonzalez
besos...
v.
Easy, Breezy, but Still MeatyJazz
By WILL FRIEDWALDJuly 28, 2006
The summer heat wave gives us the chance to trade our jackets and ties for Hawaiian-Caribbean shirts — and, if we're lucky, briefcases for bongo drums. It's a time for listening to breezy jazz that, though light and fun, is no less musically rich that the serious stuff.
Two programs offered just that recently. Jazz at Lincoln Center and the 92nd Street Y both presented evenings that illustrated the wonderful things that can happen when Pan-American music meets North American jazz. The JLC program at Dizzy's Club Coca-Cola, "A Celebration of Ray Barretto & Hilton Ruiz," was the third and final week of the "Latin In Manhattan" festival. The show celebrated two masters who left us earlier this year: the pioneering conguero Ray Barretto, who passed away in February, only a few weeks after being named a Jazz Master by the National Endowment for the The Arts; and Hilton Ruiz, the brilliant pianist who died in May (just weeks before his 54th birthday) under circumst ances yet to be explained by the city of New Orleans.
The group assembled at Dizzy's was patterned after Barretto's sextet and features several of that band's regulars, including trumpeter Joe Magnarelli, trap drummer Vince Cherico (who both played Dizzy's with Barretto himself last summer), and other frequent collaborators with both men, such as bassist Boris Kozlov, pianist John DiMartino, Vicente "Little Johnny" Rivero on congas, and the late bandleader's son, Chris Barretto, on tenor sax. Two additional saxists, Sonny Fortune (alto) and David Sanchez (tenor) were announced as special guests.
Although Barretto had a longstanding career in Latin music, he first got the attention of the jazz world as guest percussionist on dozens of hard bop albums. When Barretto eventually organized his own jazz combo, it sounded a lot like the Jazz Messengers or the Horace Silver Quintet in a Latin bag. That was the basic groove in the late show on Wednesday, like Art Blakey playing "A Night In Tunisia," an artful blend of bop and Afro-Latin elements, which began with Wayne Shorter's "United," introduced by the Jazz Messengers in 1961, followed by Margarita Lecuona's "Taboo," a Cuban standard from 1934.
The third tune was particularly moving: It was Ruiz's "The New Arrival," featuring Mr. Sanchez, who said that Ruiz was an important mentor to him when he first came to America as a 19-year-old sax student from Puerto Rico. This positive memory was enough to make you forget that in his last few years, Ruiz was a mess as a bandleader — disorganized and unfocused (and seemingly determined to waste time with long, lame jokes). He compensated for with his brilliant playing. The octet at Dizzy's played Ruiz's music with more coherence than his own later bands did.
John DiMartino eloquently spoke about the late Barretto's passion for ballads and the great songs in general. (Barretto once told me his favorite Frank Sinatra song was the very rare "Suddenly It's Spring," which Sinatra only sang on the radio and never recorded.) Barretto also felt a great empathy with the music of Duke Ellington, with whom he shared a birthday. Mr. Fortune's standout solo of the evening was "In A Sentimental Mood," which he rendered in an expressive tone that was equal parts Johnny Hodges and John Coltrane.
The group wound up with an Afro-Cuban treatment of the standard bop blues "Bags Groove" by Milt Jackson, using all four horns. Mr. DiMartino, who appears on most of Barretto's Blue Note albums and who is also known for his work with singers, was especially impressive, not just in his solos, but in the way he set up the featured solos of the two drummers.These were not pure percussion excursions but rhythm section dialogues that accompanied Mr. Cherico and Mr. Rivero.
These were not pure percussion excursions but rhythm section dialogues in which Mr. DiMartino made it possible for Mr. Cherico and Mr. Rivero to shine.
The second week of Jazz In July at the 92nd Street Y opened with "Bossa Nova: The Brazilian Soul of Antonio Carlos Jobim," which is one of four composer-driven concerts in the series this year.The others are inspired by the music of Duke Ellington, Thelonious Monk, and Harold Arlen. While Jobim is in not in their class as a composer, he wrote just enough classic songs to fill up a single evening; by contrast, it would take weeks to sample just the masterpieces of Ellington, Monk, and Arlen.
No less than the music itself, what made Tuesday night's presentation so memorable was artistic director Bill Charlap's insistence that this was a hard-core jazz concert, not merely an evening of beach-centric '60s nostalgia. To that end, he brought in three outstanding soloists: Latin specialist Conrad Herwig on trombone, tenor saxist Harry Allen, who does a mean impression of Stan Getz, and Renee Rosnes, who complimented his own work on piano.
Filling the Brazilian quotient were the fine Trio da Paz (Romero Lubambo, guitar, Nilson Matta, bass, and Duduka da Fonseca, drums), percussion mad scientist Cyro Baptista, and vocalist Maucha Adnet, who toured with Jobim for many years (and has just released an album). Ms. Adnet's singing was problematic; she seemed to have a cold and was not up to the standard she set the other times I've heard her, though she improved markedly when singing in Portuguese rather than English. She was excellent, as expected, on Jobim's most ambitious song, "Águas de Março" ("The Waters Of March").
I still can't figure out what that lyric means, but in this heat, those waters sounded more inviting than ever.
Jazz flamenco
Rafael Vega Curry / rvega@elnueviodia.comelnueviodia.comLa escena jazzística en España goza de excelente salud. Prueba de ello son la gran cantidad de festivales que hay -sobre todo en el verano- y la calidad de las producciones discográficas que, en términos generales, se pueden dividir en dos categorías principales: las que fusionan el jazz con expresiones musicales ibéricas, como el flamenco, y las que lo enfocan directamente ('straight ahead'), como pudiera hacerlo cualquier músico de cualquier país del mundo.
La llegada de Jerry González a Madrid, hace ya unos tres o cuatro años, también ha demostrado ser un aliciente para el jazz español. La difusión de su disco 'Piratas del flamenco' reafirmó la naturalidad y la vigencia de los vínculos entre los dos géneros -ya establecidos, desde fines de los años 60, por músicos de la talla de Pedro Iturralde o Tete Montoliu-. Y de la mano de productores como Fernando Trueba ('Calle 54') y Javier Limón, y con su presencia en escenarios como el club Clamores, entre otros, Jerry se ha afianzado como una de las figuras centrales de la escena jazzística madrileña actual.
La grabación de Niño Josele que hoy reseñamos es resultado directo de toda esa evolución. El Niño participó, junto a músicos como Diego el Cigala e Israel Piraña, en la ya mencionada grabación de Jerry González y fue a través de él que conoció la música de Bill Evans, uno de los más influyentes pianistas de jazz. 'Paz' (distribuido por Calle 54 Records y Sony/BMG) rinde homenaje a su música.Es una idea genial: poner a uno de los más admirados representantes jóvenes de la guitarra flamenca a interpretar la música de un pianista cuyo lirismo y creatividad lo hacían clase aparte. Pero ¿está la ejecución a la altura de la promesa?
La respuesta es un definitivo y caluroso sí. Desde las primeras notas del tema que abre el disco, 'Peace Piece', comprendemos que estamos ante un trabajo de singular calidez y belleza, y con una calidad de sonido superior. El programa, que consiste casi en su totalidad de baladas y números suaves, presenta a la guitarra del Niño con diversos acompañantes, como el saxofonista Joe Lovano(exquisito en 'The Peacocks') y los trompetistas Tom Harrell (sublime en 'My Foolish Heart') y el propio Jerry, quien demuestra (si es que alguien lo duda) la profundidad de su sentimiento en 'Never Let Me Go'. En tres números, la guitarra sola del Niño es un regalo a los oídos.Comparable a 'Lágrimas negras', de El Cigala y Bebo Valdés, en lo que respecta a su lograda fusión de culturas, 'Paz' es uno de los mejores discos que yo he oído en mucho tiempo, y también uno de los más hermosos. Lo consigue en la librería Cronopios, en el Viejo San Juan.
Friday/Saturday, August 5th & 6th: 9 & 10:30 p.m. ($15) Miguel Zenon & the Rhythm Collective featuring Miguel Zenon - alto saxophone, Aldemar Valentin - electric bass, Tony Escapa - drums, Reynaldo DeJesus - percussion.
TWO SETS EACH NIGHT9:00PM and 10:30PM(unless indicated otherwise)ADMISSION $12/$15 PER SET (non-members)(unless indicated otherwise)$10 per set (members)RESERVATIONS RECOMMENDEDTEL. 212-242-1063
290 Hudson Street (between Spring and Dominick Streets), NYC
"Ronnie Scott's", el prestigioso club de jazz, conocido también como "la meca del jazz en Europa", vuelve a abrir sus puertas esta semana después de tres meses de inactividad debido a renovaciones.
Fue ahí donde Miles Davis descubrió al británico Dave Holland (hoy uno de los gigantes internacionales del contrabajo) y es ahí donde conjuntos latinos como "Irakere" echan por tierra el mito de la flema británica, al emocionar y hacer rugir al público que los va a escuchar año a año.
Fue ahí también donde Sonny Rollins, después de tocar una noche, pidió permiso para quedarse trabajando en una de las mesas del auditorio.
Entradas las horas de la mañana, había compuesto y escrito la música para la película "Alfie" (la original).
Los mejores
La primera vez que fui, a fines de los años 70, el artista era Roland Kirk.
Luego vi a Sonny Rollins, la orquesta de Buddy Rich, Chet Baker, Dexter Gordon y Carmen McRae.
Después de ello la cantidad de músicos famosos que he visto en el Club de Jazz de Ronnie Scott a través de los años es tan larga, que he perdido la cuenta.
Como también la de los músicos que he podido entrevistar tras las bambalinas, especialmente los hispanohablantes como Gonzalo Rubalcaba o Chucho Valdés.
Por eso no pude resistir y decidí el domingo ir a visitar el club, antes de su reapertura, para ver personalmente los cambios.
Este club queda en el corazón del barrio bohemio de Soho, en la calle Frith, en el centro de Londres.
Dicho barrio se ha ido renovando a través de los años y, de un distrito pecaminoso y hasta relativamente sórdido, ha pasado a ser, en la última década, una zona relativamente cara y preferida de quienes gustan de buenos restaurantes, clubes musicales, bares bohemios y típicos "pubs".
"Ronnie Scott's" no se podía quedar atrás. Lo que vi en su interior fue un diseño y un mobiliario totalmente nuevos, bastante elegante, pero que mantienen el carácter "jazzístico" de su ambiente.
Cambios
Lo que sigue todavía ahí es la colección de fotografías de músicos de jazz más grande que yo haya visto en lugares similares, que invaden cada rincón de las paredes.
Y las mesas, donde el público puede comer, mantienen las pequeñas lamparitas de luz tenue que le han caracterizado por años. Aunque ahora son todas nuevas.
El club fue creado hace más de 40 años por uno de los máximos exponentes del saxofón tenor en el Reino Unido, Ronnie Scott, quien murió hace 10 años.
Su socio, el saxofonista alto Pete King, que ahora tiene 76 años de edad, vendió el establecimiento hace algunos meses a la empresaria inglesa Sally Greene.
Ronnie Scott fue uno de los músicos de jazz ingleses más conocidos internacionalmente.
De estilo hard-bop, tocó también con la famosa orquesta Clarke-Boland. Y aunque dedicó gran parte de su vida al club, jamás dejó de tocar en festivales internacionales, incluido el Festival de jazz de La Habana, en Cuba.
Sally Greene
Esta mujer empresario nombró de inmediato a Pete King como presidente de por vida del club, y al saxofonista Leo Green como su director artístico.
Y ha prometido que continuará con el espíritu y la tradición musical de jazz forjada por muchos años por Ronnie Scott y Pete King.
Otro de los cambios que Sally Greene ha hecho es que el club abrirá diariamente sus puertas para escuchar música en vivo, mucho más temprano que antes, a las 6 de la tarde.
Antes la música comenzaba alrededor de las 10 y se prolongaba hasta las 3 de la madrugada.
Al abrir más temprano, se da la oportunidad a mucha gente que trabaja, de asistir al club y no acostarse tan tarde, aunque la música continuará hasta las 3 de la mañana, como antes, para los trasnochadores.
Prestigio
Es por ello que atrae también a muchos turistas amantes del jazz quienes junto con la Torre de Londres, el Palacio de Buckingham o el cambio de la Guardia Real, vienen con la intención de visitarlo para ver a alguno de los grandes del jazz.
Y aparentemente la promesa de Sally Greene se cumplirá, ya que en esta nueva etapa del club la lista de músicos que ha anunciado para las próximas presentaciones es impresionante.
Entre ellos, maestros como Wynton Marsalis, David Sanborn, Billy Cobham y Chick Corea, a quienes es muy extraño ver en estos días en lugares que no sean grandes salas de conciertos.
El club vuelve a abrir sus puertas con nuevos bríos y con mucho "swing" ya que lo inaugura el pianista Monty Alexander y su trío, y luego le sigue el joven trompetista estadounidense Chris Botti (el nuevo "Chet Baker rubio"), que atrae a jóvenes entusiastas, especialmente del sector femenino.
Referencia: La meca de jazz abre sus puertas. BBC. Recuperado el 1 de agosto de 2006, de http://news.bbc.co.uk/hi/spanish/misc/newsid_5118000/5118152.stm
El festival, que contará con varios eventos de música, danza, teatro, poesía, fotografía y cine, se realizará en el Queens Theater in the Park, del parque Flushing-Meadow entre el 26 de julio y el 6 de agosto.
Candido Camero, que se presentará junto a los músicos Bobby Sanabria, Héctor Martignon, Guido González, Onel Mulet, Andy González, Mauricio Herrera, Eddie Villegas y David Oquendo, el sábado 29 de julio a las 8 p.m., ofreció un breve adelanto de sus más de 65 años pegándole a los cueros.
“Cuando camino con mi bastón parezco tener los 85 años que he cumplido, pero cuando toco estas tres congas blancas me siento como de 20”, dijo Camero, provocando un mar de aplausos.
El festival contará con la presentación del grupo Fruko y Alfredo de la Fé, Eddie Palmieri y la Multicultural Music Group, la peruana Eva Ayllón, la cantante cubana Albita, Perú Negro, el grupo chileno Inti-Illimani junto al cantante Joe Vasconcelos.
El show de apertura estará a cargo de La compañía de Flamenco de Soledad Barrio el miércoles 26 de julio a las 8 p.m.
Los nuevos talentos también tendrán cabida en este festival con la presentación de Latina New Sounds, un evento que reune a cantantes y compositoras como la boricua MiMa, la brasileña Luca Mundaca y la mexicana Valentina González, interpretando un variado repertorio que mezcla el jazz, funk, electrónica y los ritmos latinos tradicionales.
La noche de poesía, titulada “Open Mic” (Micrófono Abierto) será conducida por el jóven poeta Emanuel Xavier la noche del 2 de agosto.
El festival es patrocinado fundamentalmente por JP Morgan Chase, a la que se han unido otras empresas como Cingular, ConEdison y Delta.’
Para más información y compra de boletos pueden comunicarse al (718)760-0064 o en el internet a: www.queenstheatre.org
Un poco de jazz
Hay swing, ¡y mucho!
Nació en la ciudad fronteriza de Nogales, Arizona, el 22 de abril de 1922. Murió el 5 de enero de 1979 en Cuernavaca, Morelos. Es reconocido como uno de los músicos más importantes del siglo XX. Tal vez el mejor contrabajista-líder-compositor que el mundo del jazz haya conocido. Siempre mantuvo sus oídos y sus dedos en el pulso, el espíritu, espontaneidad y el poder expresivo del jazz.
Se puede decir que su música tenía una cualidad feroz que hasta la fecha no ha sido igualada. Charles Mingus era el tipo de artista capaz de transmitir su personalidad directamente a su obra. Así como a veces su agresividad y temperamento controlaban sus acciones (una vez en Philadelphia golpeó al trombonista Jimmy Knepper en la cara, a la mitad de un concierto), igual se pueden sentir todas sus emociones a través de su música. Incluso su sentido del humor como en la composición original If Charlie Parker was a Gunslinger, there’d be a whole lot of dead copycats (Si Charlie Parker fuera un pistolero, habría una bola de copiones muertos). Una clase de músico sumamente rara, que aparece muy a la larga, Mingus era (y su música sigue siendo) intensamente radical y profundamente tradicional al mismo tiempo. Pero fue hasta después de su muerte que su trabajo alcanzó la fama y reconocimiento del que disfruta hoy en día. Esto gracias en gran parte a Sue Mingus, su esposa.
Con su ayuda, casi inmediatamente después de la muerte de su esposo, se formó una banda dedicada a celebrar y hacer homenaje a la música y obra del contrabajista. Mingus Dynasty fue el nombre original del grupo y en 1991 se expandió y convirtió en una de las big bands más exitosas de los últimos años, la Mingus Big Band, resucitando varias de las piezas más complejas de Charles Mingus. Este fin de semana (viernes y sábado) estará en el Zinco Jazz Club a partir de las 22:30 horas la Mingus Dynasty. El sexteto es prácticamente un equipo de estrellas (por lo del ambiente deportivo que ahora se vive).
Los delanteros son Alex Sipiagin (Michael Brecker Quindectet) en la trompeta, Alex Foster (Jaco Pasorius, Jack DeJohnette) en los saxofones y Luis Bonilla (Dizzy Gillespie, Willie Colón) en el trombón. La sección rítmica está conformada por George Colligan (Ravi Coltrane Quartet) en el piano, Donald Edwards (Charlie Hunter Quartet) en la batería y ocupando el lugar más importante, el gran contrabajista newyorican (puertorriqueño nacido en Nueva York) John Benítez (Wynton Marsalis, Eddie Palmieri). Con esta alineación se garantiza un espectáculo de primer nivel. Obviamente estarán haciendo homenaje a la música y vida de Charles Mingus, quien ha sido y continuará siendo una fuente de inspiración para las más recientes y futuras generaciones de jazzistas. Por ejemplo, en las composiciones y arreglos para big band de Wynton Marsalis se puede distinguir claramente el espíritu de Mingus. También en el disco Scenes in the City, la primera grabación del otro Marsalis, Branford, quien por azares del destino también anda por aquí en el Distrito Federal con su cuarteto, haciendo acto de presencia en el Lunario del Auditorio Nacional.
Este fin de semana será memorable para los amantes del jazz. Tener la oportunidad de empaparnos de swing con dos espectáculos de tal magnitud, consecutivamente, será sin duda una experiencia inolvidable.
Como dije la semana pasada, hay mucho swing este fin de semana en la Ciudad de México.
Los espacios del Museo de Arte Contemporáneo (MACBA) y el Centro de Cultura Contemporánea (CCCB) sirvieron para que unas 13.000 personas al día recorrieran los escenarios.
Allí se podía disfrutar tanto de reggae, dub, hip hop, jazz o el funk, como de presentaciones más vanguardistas donde los sonidos saturados juegan con el silencio y los saltos de ritmo.
Sonido de Japón y música negra
Este año, los organizadores del Sónar decidieron hacer una mención especial a los sonidos del Japón, país que es considerado como una de las escenas más fértiles y complejas de la música electrónica contemporánea.
Pero también en este espacio se presentaron DJ hispanos como el argentino Federico Monti, quien le dijo a la BBC que la mejor forma de escuchar este tipo de música vanguardista es en posición horizontal, con los ojos cerrados y "si es posible, con audífonos y poca luz".
En la 13º edición del Sónar también se quiso hacer un homenaje a la cultura musical negra que -según los organizadores- "tanto han influído en el desarrollo de la música electrónica".
Para ello invitaron a grupos como Digable Planets, Linton Kwesi Jonson & Dennos Novell Dub Band o a Beatmaster quien sólo con su garganta amenizó una de las tardes en el escenario conocido como "SonarVillage".
A diferencia de la música producida por los artistas japoneses, algunos expertos consideran que la música negra hay que escucharla en posición vertical de manera tal que las extremidades y el tronco se muevan a su gusto y -de ser posible- pegar uno que otro brinquito.
LLuvia y sol
Durante los tres días y las dos noches que duró el festival, hubo un momento en que el Sónar recordaba más a Glastonbury que a Barcelona. El cielo se cerró y la lluvia empapó los escenarios dejándose sentir con rayos y truenos.
Ante la lluvia, hubo otras opciones. Bajo techo y bien sequita estaba el área del "Red Bull Music Academy", un sitio para relajarse y esperar tiempos mejores.
El cielo aclaró y con ello la gente volvió a ocupar los espacios abiertos del festival. Mientras que unos quisieron aprovechar para broncearse, otros volvieron a acudir a sus sombrillas esta vez, para protegerse de un sol picante.
La sorpresa fue mayor cuando en uno de los escenarios del Sónar apareció la banda neoyorquina "Scissor Sisters" en sustitución de los británicos "White Diet", quienes no pudieron acudir a la cita.
No todo fue conciertos multitudinarios. En el Sónar también hubo ferias discográficas, editoriales y exposiciones multimedia.
Una de ellas fue "Sónar a la Carta", un espacio donde el público pudo revisar cómodamente muestras de arte digital, video y música sobre la cultura electrónica actual.
NUEVAS NOTICIAS SOBRE EL SEMINARIO DE JAZZ DEL PALAU
Después de la carta que os envié explicando que el Palau de la Música de Valencia no eligió nuestra propuesta para la realización del Seminario de Julio de este año, nos enteramos por medio del Colectivo de Músicos de Jazz de la Comunidad Valenciana del modo en que había sido adjudicada la propuesta seleccionada. El propio colectivo, como es lógico, decidió no hacer pública una situación un tanto vergonzante para uno de sus socios, así que me veo en la obligación, como particular (y perjudicado) de contaros lo ocurrido. Ello no quiere decir que mis compañeros del colectivo no estén sumamente indignados por estos hechos.
Como ya os dije, este Seminario ya venía funcionando 5 años antes en Sedaví antes de ofrecérselo al Palau. Ahora, después de 7 años nos encontramos con esta situación.
El año pasado Ximo Tébar reventó la rueda de prensa de presentación del Festival y Seminario de Valencia reclamando un supuesto dinero que supuestamente le debía el Palau y afirmando que a los músicos de jazz valenciano nos trataban como "pordioseros".
A raíz de aquello, para este año y gracias al esfuerzo y a la unión del Colectivo de Músicos de Jazz de la Comunidad Valenciana conseguimos una programación estable de 6 conciertos anuales y la inclusión de dos proyectos valencianos dentro del festiva además de un aumento importante del presupuesto para el seminario, pactándose una cantidad presupuestaria muy superior a los años anteriores. La fórmula de entrega de los proyectos para el mismo era directa y exclusivamente a través del Colectivo. Tres fueron las propuestas que se ofrecieron al Palau, entre las que se incluía la nuestra y la de Ximo Tebar. (Quede claro que no nos molesta el hecho de no hacer el Seminario porque, a priori, es lícito considerar aquellas tres propuestas presentadas igual de válidas. Lo que es inadmisible es el juego sucio).
Ximo (que como sabéis tiene una oficina de management y llevaba muchos años tratando sin éxito de vender sus grupos al Palau para el
Festival) también incluyó este proyecto de Seminario dentro de una propuesta de grupos para dicho festival ofertada directamente al Palau, utilizándolo así como moneda de cambio a la hora de negociar sus intereses particulares y quedando, en esa oferta global, diluido el presupuesto pactado anteriormente por el Colectivo. El Palau comunicó al Colectivo de Músicos de Jazz de la Comunidad Valenciana que se había decantado por esta propuesta porque le resultaba notablemente más barato así.
Es casi obsceno intentar influir de esta forma sobre un "jurado" que otorgue cualquier tipo de adjudicaciones, y de esta forma y a base de chanchullos ha conseguido pasar por encima de los acuerdos que habían pactado sus compañeros.
Sim mas os envio un cordial saludo.
Fco Angel Blanco
Director de Sedajazz.
Fuente: sedajazz
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Evento en la web: http://www.sedajazz.es/noticias/noticia.php?id=3518
El dúo de voces de Gema y Pavel ha conseguido desarrollar un timbre y un estilo que parece hecho a la medida de todos los oídos que gustan de la música vocal latinoamericana. Su trabajo es difícil de clasificar en un tipo de música en particular. Pero evidentemente es música creada más para escuchar que para bailar con elementos fuertes de la música cubana y alianzas armónicas y melódicas con el jazz, la balada internacional y otras expresiones del mundo.Esta semana está en el mercado local el disco “Antologia primera” que reúne 15 temas que forman parte de las producciones “Trampas del tiempo”, de 1994, “Cosa de Broma”, de 1995 y el disco “A María Teresa Vera” también del 95. Este es un resumen musical de esos primeros años en que Gema y Pavel asombraron a los latinoamericanos y a los europeos con su propuesta peculiar.LOS ARTISTASGema Corredera, la voz femenina del dúo, nació en La habana en el 1964.Es hija de campesinos que debutó en el teatro a los siete años de edad. Obtuvo su título universitario en musicología en el 1987 y desde entonces a trabajado varios proyectos artísticos.Por su parte, Pavel Urkiza, guitarrista, cantante y compositor, nació en Ucrania de padres cubanos. Estudió en La Habana música y economía. Ambos comenzaron a trabajar como dúo en el 1990 como parte de un proyecto musical de la compositora Marta Valdés. En el 1993 se marcharon a Madrid, España y desde allí han desarrollado su vida profesional que ya cuenta con varios discos que muestran el desarrollo y el talento únicos de estos artistas que han visitado a Puerto Rico en más de una ocasión.EL DISCOEl disco “Antología primera” es una reedición de un trabajo que salió por primera vez en el 1995. Gracias a Producciones Saravá, de Benjamín Muñiz, esta compilación vuelve a estar disponible. Para los que no conocen mucho del trabajo de Gema y Pavel esta es una oportunidad única de familiarizarse con el talento de uno de los mejores dúos contemporáneos de la mayor de las Antillas.Para los seguidores de estos artistas, el disco le brinda la oportunidad de tener en un solo documento lo más granado del repertorio del dúo. Aquí escuchará, entre otros, “Mayeya”, “Aixa”, “Parar de fumar”, “Lo feo”, “Domingo AM” y “Al borde de la locura”. Temas cuya vigencia no pasa con el tiempo. Las letras, los arreglos musicales y la dinámica única de Gema y Pavel han conseguido desafiar el ir y venir de las modas rítmicas para afianzarse en el tiempo con un concepto de actualidad válido para ayer, hoy y mañana.CALIFICACIÓNEl disco “Antología primera” de Gema y Pavel es un trabajo que puede compararse con un cofre repleto de joyas musicales que aumentan su valor con el correr del tiempo. De todas maneras, Gema y Pavel deben ser parte de la fonoteca de todo aquel que pretenda tener “buena música”. Nuestra calificación en una escala de uno a cinco radios: cinco radios.
Referencia: Joya musical con Gema y Pavel. Radio Universidad de Puerto Rico. Recuperado el 12 de junio de 2006, de http://www.radiouniversidad.org/articulo.php?id=2296
